La tierra del champagne de los tés

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 En Darjeeling, a los pies de los Himalaya, se produce el té más exquisito de la India. Su aroma y sabor transmiten el espíritu de su pueblo, su cultura y su mágica armonía. Con más de 20.000 variedades, el té protagoniza hoy el mundo gourmand y es adoptado como estilo de vida.

 

Texo: Mariana Boggione

Fotos: Gentileza Escuela Argentina de Té

Publicado en Revista Solo Líderes N°61

Al tomar una taza de té en nuestras manos, seguramente no imaginamos todo el recorrido que las hojas verdes y frescas debieron realizar para dar semejante licor. No nos figuramos que vibraron al rayo del sol, o recibieron las gotas del rocío al amanecer o el agua de los fuertes monzones. Y es justamente en Darjeeling, una pequeña aldea de estilo británico, enclavada a los pies de los Himalaya, donde se produce el té más delicioso de la India, al cual los ingleses bautizaron “champagne de los tés”.

En aquellos terruños, las mujeres seleccionan a mano el té, donde tierra y cielo se armonizan para dar a luz a uno de los mejores del planeta, caracterizado por ser un “licor con notas a uva moscatel, de buen cuerpo y muy brillante. Los de primera cosecha tendrán una personalidad más intensa, y los de segunda, darán una infusión más alicorada”, describe la Tea Master Liliana Venerucci, co-directora de la Escuela Argentina de Té, líder en capacitación de profesionales del té en habla hispana.

El té Darjeeling es uno de los más codiciados, tanto que, al verlo, los mismos británicos supieron que estaban frente a uno de los mejores del mundo. “Cuando estas cosechas llegan a Europa, aparecen anuncios en los tea shops más renombrados, para que los clientes acostumbrados a la frescura de sus hojas, hagan su provisión para el consumo de temporada”, destaca Venerucci, y continúa: “Los tealovers reconocen en cada taza la presencia de su terruño, que deja en ellos la impronta de sus más de 2.000 metros sobre el nivel del mar, y de los vientos que soplan desde los Himalaya, enfriando las noches de estos parajes”. 

En esta región situada en Bengala Occidental (India), existen 86 Tea Estates: fábricas productoras, con sus respectivos jardines de té. En ellos trabajan aproximadamente 52.000 personas durante todo el año, a las cuales se suman 15.000, en la temporada de cosecha. La devoción ennoblece los corazones de estos hindúes, que sostienen con sus cabezas las canastas que transportan las frescas hojas, fruto de una tierra colorida, con ancestrales dioses que los protegen.

Lo interesante es que más del 60% de estos empleados son mujeres. Sus manos suaves recogen el té por las mañanas, que luego será deshidratado, realizando un proceso artesanal para lograr sabores únicos. “El aroma dulce que puebla el interior de las fábricas, mientras el té se está produciendo, es quizás una de las experiencias aromáticas más maravillosas… ¡Inolvidable!”, describe la Tea Master.

 

Un aliado gourmet y funcional

El Darjeeling es una de las más de 20.000 variedades de tés existentes. Esta bebida, que es la más consumida a nivel mundial después del agua, se ha gourmetizado y ocupa un lugar privilegiado en restaurantes donde se sirven maridajes excelentes con oferta de esta infusión.

“Hoy hablamos de una filosofía del buen comer, donde se tienen en cuenta no sólo los sentidos, sino también la experiencia profunda del placer emocional que genera la buena gastronomía. En este universo, donde se habla de una cocina científica, el té es una bebida interesante para incorporar al mundo gourmand”, apunta el Tea Master Diego Morlachetti, quien junto a Venerucci ha llevado la formación en temáticas del té a la Universidad, hecho sin precedentes en el mundo occidental.

Buenos aromas, sabores, texturas y temperaturas: todo suma a la hora de programar el placer de un buen gourmand. “El Tea Gourmand se apoya en el té bajo todas sus formas de preparación: de calientes a frías, acompañadas de bebidas alcohólicas o de otros ingredientes. Lo esencial es unir las virtudes y propiedades de esta infusión con el placer”, concluye Morlachetti.

Blanco, negro, verde, Oolong, Pu-Erh.  Además de sus exquisitos sabores, cada variedad favorece la calidad de vida de un modo particular. “Esta bebida fue descubierta en la antigua China, hace más de 5000 años, y el primer uso que se le dio a los brotes tiernos fue para potabilizar el agua. Fue recién en el siglo X que el té adquirió su dimensión social”, relata Morlachetti, quien etiqueta al té como una bebida funcional a la salud.

“A la mañana uno sugiere tés con mayor poder activador: té negro y Pu Erh, durante o después de las comidas, oolong o té verde, frío o caliente. Al anochecer, el té blanco”, recomienda Morlachetti, y agrega: “Cada uno puede armar su itinerario, con 4 o 5 tazas por día. Hacer la prueba durante un mes, y ver los resultados”.

 

¿Qué aporta cada tipo de té?

  • Hay muchas marcas de cosmética femenina que usan extracto de té blanco en sus productos porque ayuda al rejuvenecimiento de la piel. De hecho, se pueden hacer compresas con hojitas de esta variedad de té, y entre 30 y 60 días se podrán ver mejoras en el aspecto del cutis, porque trabaja en el metabolismo del colágeno, lo cual le da mayor tonicidad.
  • El té verde sirve para bajar la ansiedad, por contener l´teanina: un leve sedante que actúa sobre el sistema nervioso. Además, es un inhibidor del apetito.
  • El té oolong es hepatoprotector, y un buen aliado después de las comidas.
  • El té negro tiene mejor aroma y sabor, pero menor poder antioxidante. Por su alto contenido de flúor, favorece al cuidado bucal, de las encías y prevención de caries. Asimismo, por la concentración de flavonoides, favorece la prevención de patologías coronarias.
  • El té Pu Erh tiene efecto termogénico, por eso se lo conoce como “quema grasas”: ayuda a quemar calorías.

 

El legado de Botticelli

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Victoria & Abert Museum agasajó a los amantes de Sandro Botticelli, con una exposición que exploró la variedad de formas en que artistas y diseñadores han respondido al legado artístico del florentino. Recorremos «Botticelli Reimagined»: un itinerario desde lo contemporáneo hasta el renacimiento italiano.

Texto: Mariana Boggione

Fotos: Gentileza Victoria & Abert Museum

Publicado en Revista Solo Líderes N°62

 

Botticelli es ahora reconocido como uno de los más grandes artistas de todos los tiempos. Sus célebres imágenes están arraigadas en la conciencia pública y su influencia impregna el arte, el diseño, la moda y el cine. Sin embargo, aunque alabado en su vida, Botticelli fue olvidado por casi 300 años, hasta que su trabajo fue redescubierto progresivamente en el siglo XIX, para ser tomado como fuente de inspiración de numerosas piezas de arte.

Es así que la muestra «Botticelli Reimagined», organizada por Victoria & Abert Museum (V & A) de Londres y Gemäldegalerie – Staatliche Museen zu Berlin, propone un itinerario que incluye más de cincuenta originales de Botticelli, junto a trabajos de Dante Gabriel Rossetti, Edward Burne-Jones, René Magritte, Elsa Schiaparelli, Andy Warhol y Cindy Sherman. En palabras de Martín Roth, Director del V & A, «esta ambiciosa exposición considera su legado, y muestra cómo y por qué se ha impregnado en nuestra memoria visual colectiva».

 

Los emblemáticos Andy Warhol, Lady Gaga y Dolce & Gabbana

Botticelli Reimagined cuenta con una sección íntegramente permeada por la influencia de «El nacimiento de Venus».  Por su parte, Andy Warhol transforma con su paleta de colores la cara y el pelo del ícono de Botticelli en «Details of Renaissance Paintings», mientras que «Venus After Botticelli» de Yin Xin, la reinterpreta con rasgos asiáticos, y en «Rebirth of Venus», David La Chapelle recrea la escena dándole un tinte kitsch, con una modelo rubia escoltada de dos hombres musculosos.

Dolce & Gabbana también echó mano de esta obra maestra, y realizó su colección primavera- verano del 1993, con géneros estampados con detalle de la Venus. Y la iconografía de Botticelli se reinventa sin límites: la muestra incluye una pieza publicitaria de la firma de moda italiana con Lady Gaga con un total look de esa colección, elegida para promocionar su álbum Art Pop del año 2013. Además, la exposición incluye dos vestidos de Elsa Schiaparelli, que datan del año 1938, inspirados en «Pallas y el Centauro».

 

La influencia en el séptimo arte

Otra sección dentro de la muestra deja ver la huella de Botticelli en el cine: se evidencia en la escena de Ursula Andress saliendo del mar juntando una concha de caracol en «El Satánico doctor No» y Uma Turman también encarna esta Afrodita en «Las aventuras del barón Munchausen», de Terry Gilliam.

Bill Viola también se basó en la obra del florentino en su ciclo digital «The path going forth by day»; mientras que en «5th surgery performance – Operation opera», la francesa Orlan se somete a una cirugía plástica para parecerse a la protagonista de la pintura. Esta sección también incluye la surrealista «Le ramo tout fait» de René Magritte, y obras clave de Maurice Denis, Antonio Donghi y Robert Rauschenberg.

 

Redescubrimiento y Primavera

Un apartado de la exposición refleja el impacto del arte de Botticelli en el círculo prerrafaelita durante la mitad del siglo XIX. Dante Gabriel Rossetti, John Ruskin y Edward Burne-Jones adquirieron las obras de Botticelli, y su estética se reinterpreta en  «La Ghirlandata» de Rossetti y en «The Mill: Girls Dancing to Music by a River» de Burne-Jones.

«La Primavera» preside esta sección, interpretada por William Morris en «The Orchard»: un tapiz que representa damas medievales en un hermoso entorno. «Flora», de Evelyn De Morgan Silvestres, ilustra la ninfa de las flores, junto a una película de la bailarina y coreógrafa Isadora Duncan danzando que data del 1900.

Las copias de «El nacimiento de Venus» de Edgar Degas y Gustave Moreau, así como «Two Women copying Botticelli’s fresco of Venus and the Graces» de Etienne Azambre, demuestran que imitar a Botticelli está de moda. Allí, su influencia europea se manifiesta en las grandes pinturas de Jean-Auguste-Dominique Ingres, Arnold Böcklin y Giulio Aristide Sartorio.

 

Botticelli en su propio tiempo

El último tramo de la muestra se denomina «Botticelli en su propio tiempo», y demuestra que él fue tanto un artista sumamente calificado, como un diseñador original que dirigía un exitoso taller. Los objetos expuestos incluyen su única pintura firmada y fechada: «La Natividad Mística», tres supuestos retratos de la legendaria belleza de Simonetta Vespucci, y «Pallas y el Centauro» del 1482.

Una serie de variaciones sobre la Virgen y el Niño en diferentes formatos, exaltan su creatividad como diseñador, mientras que su habilidad como dibujante es evidente en un espectacular grupo de dibujos, incluyendo cinco de sus ilustraciones de la Divina Comedia de Dante. El espectáculo se cierra con dos pinturas monumentales de Venus, repitiendo la heroína de «El nacimiento de Venus», y también cuenta con el retrato de una señora conocida como Esmeralda Bandinelli (c. 1470-5), anteriormente propiedad de Rossetti y restaurado especialmente para esta exhibición.

 

Estancias argentinas, contemporáneamente clásicas

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Complementar lo autóctono y lo nuevo es un arte a la hora de redecorar cascos de estancia. Aquí, la palabra de un experto, para logar ambientes acogedores y funcionales, con auténtico espíritu de campo argentino.

Por Lic. Mariana Boggione

Fotos: Gentileza Arq. Javier Iturrioz

Publicado en Revista Sólo Líderes N° 60

De día o de noche, el campo acoge. Con la naturaleza como principal aliada, sus casas invitan a disfrutar del frescor del aire, del canto de los pájaros, del ruido de las hojas agitadas por el viento, del sonido de los animales, de la luz de la luna, y de noches infinitamente estrelladas.

Es allí, en el corazón de nuestra Pampa, que se erigen robustos y blancos los cascos neocoloniales, con sus amplias galerías y sus típicas columnatas. Así, la fisonomía de la estancia argentina conserva lo clásico y lo autóctono de nuestro terruño, dejando en la ciudad la modernidad vertiginosa. Aunque también podemos encontrar casonas con marcada identidad europea, decorados con espíritu de campiña inglesa o francesa: en ellas son típicos los géneros estampados, ambientes empapelados, cortinas con bandó, cordones y borlas, cuadros por doquier.

La estancia renovada

“Cuando me llaman para redecorar estancias en nuestro país, suelen pedirme un estilo ´campo argentino´” explica el Arq. Javier Iturrioz, quien opta en esas ocasiones por alfombras de yute con bordes de cuero, cornamentas, sillones lisos, chimeneas grandes y modernas. El sello acogedor, barroco, excéntrico, y a su vez, clásico de Iturrioz, es elegido por marcas de primer nivel, reconocidas instituciones, y por amantes del buen gusto, que dejan sus hogares en manos de un experto.

“La rusticidad y la contemporaneidad maridan armónicamente”, agrega y recomienda ambientaciones con astas de buey, cuernos de vaca, dameros con pieles trabajadas, baúles como mesas ratonas, banquitos de oveja, y objetos en alpaca. En cuanto a colores, sugiere los terracota, rosas, verdes, amarillos, celestes, blanco y negro. Para estos proyectos, sus materiales predilectos son la arpillera, rafia, yute y pieles de vaca.

 Aún con barrales, la tendencia es actualizar las cortinas con paños rectos y vivos alrededor. Para renovar la luminaria, una opción es reemplazar las arañas de caireles por otras de hierro con pantallas de cuero de vaca o crudo. Las camas de bronce se conservan, acompañadas de almohadones renovados. Y los cuadros se reenmarcan, optando por unos rectos con aire alrededor.

Los baños merecen un capítulo especial. En medio, las antiguas bañeras con patas, o una versión nueva de ellas, en forma de nuez; bachas rectas, mármoles de carrara, y pisos damero o mosaicos con dibujos. Según Iturrioz, “el aura original vive en griferías con look vintage”: en bronce, dorado o cobre, con la leyenda “cold” o “hot” en porcelana.

Las cocinas de campo tienen un misterio particular, aunque el tiempo y el uso suelen arruinarlas bastante. “Los muebles y mesadas de madera o mármol, con una araña holandesa de bronce, luces de led y una cocina nueva hacen un conjunto fantástico”, asegura el arquitecto.

En la sala, las chimeneas siguen ocupando un lugar privilegiado. Al renovarlas, el especialista intenta no perder el shabby: “Trato de guardar la chimenea existente, y le compro los morrillos, o una cobertura de vidrio para que no salten chispas”. Además, es amante de las lámparas de pie y de mesa, con pantallas de pergamino, pues “dan un efecto de luz cálida, casi de vela”.

En cuanto a las aberturas, sugiere reparar las existentes o, de colocar nuevas, que sean de madera. “Al hacer ampliaciones, hago copiar las que había antes, para lograr continuidad. Las aberturas de aluminio arruinan la casa de campo”, sentencia.

Quien quiera un check list de infaltables, que tome nota: platería colonial, cerámica de Talavera, objetos autóctonos argentinos, alfombras peludas, cajas de cuero, candelabros hechos con cuernos de vaca, cuadros de aves silvestres y cacería. Jardines y piletas con camastros de hierro y géneros resistentes a la intemperie.

Mexican Style y Andaluz

Hay quienes se inclinan por estilos diversos al colonial, y logran ambientaciones con características culturales de otros puntos del mundo.

Así, existen casas de campo con impronta andaluza, en las que priman los tonos rosas y verdes, los muebles de hierro y objetos de orfebrería. En ellas no falta una salamandra, paredes coloridas, maderas claras y tejidos naturales.

Por su parte, los amantes del Mexican Style se inclinan por el mimbre y los trabajos en hierro, con reminiscencias españolas en los arcos de las puertas y en el dibujo de los muebles. En ellas, los patios resultan ser los espacios preferidos, con paletas cálidas y repletos de flores.

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La flor mágica de Kenzo

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Con su mirada poética, Kenzo embellece el mundo sembrando campos de amapolas en las principales ciudades del globo. Desde París, Londres y Moscú, hasta Buenos Aires, se tiñeron de rojo y fueron perfumadas con su fragancia insignia: Flower By Kenzo.

Por. Lic. Mariana Boggione

Fotos: Kenzo

Publicada en Revista Solo Líderes, enero de 2016.

“El mundo es bello”. Esta frase de cabecera de Kenzo resuena desde hace más de 15 años en sus creaciones, con una mirada poética y diferente sobre el universo, y lo mueve a dar fragancia a una flor que originalmente no tiene aroma: la amapola.

Una flor delicada y fuerte, pura, sensual y urbana como los rascacielos, se convierte así en ícono su fragancia insigne Flower By Kenzo, creada en el año 2000. A diferencia de lo que podría pensarse, la amapola no es un componente, sino el emblema de un ya consagrado clásico de la perfumería.

Los campos de amapolas

La naturaleza, lo bello, lo optimista y lo colorido impregnan la filosofía Kenzo. “Con el espíritu de crear un escenario natural que refleje la espectacularidad de esta emblemática y mágica flor, la marca decide embellecer el mundo sembrando campos de amapolas en las principales ciudades del globo” afirma Mirta López, Training Manager de Kenzo Argentina.

París, Singapur, Hong Kong, Moscú, Londres, Viena, México, Madrid, Bruselas, Lyon, Toulouse, Dubai, Varsovia, Johannesburgo, y también la misma Buenos Aires, se vieron teñidas de rojo, intervenidas por Flower By Kenzo.

“En la Plaza Roja de Moscú y en la explanada del Centre Pompidou de París, se han llegado a utilizar un total de 200.000 amapolas, mientras que en Londres fueron plantadas 60.000”, detalla López. Cabe destacar que estas flores son creadas exclusivamente en Francia y se envían a los diversos puntos cardinales donde, luego de ser perfumadas con Flower, se realizan las intervenciones urbanas. “La gente hace cola más de una vez para que le den amapolas en estos eventos”.

Además de haber tenido su campo en Plaza San Martín, Buenos Aires fue elegida como locación para realizar una de las publicidades televisivas que representó a la fragancia por cuatro años a nivel internacional. Para esta ocasión, Caminito (San Telmo) se transformó en un gran sendero repleto de amapolas rojas.

Un clásico exitoso

“Podría decirse que Flower es sinónimo de Kenzo” confiesa Mirta López, y enfatiza: “se venden 5.000 frascos al día en todo el mundo, ¡con los que se podrían cubrir tres veces la altura de la Torre Eiffel cada día!”.

Por su imagen, por sus acciones, su caja y su jugo, los diez principales narices del mundo posicionan a Flower By Kenzo entre los 10 clásicos que ninguna mujer debería dejar de sentir en su vida. Es una fragancia que por su lujo resiste al tiempo, superando el fenómeno de la moda.

Ya habiéndose consagrado como un clásico por haber superado 10 años en el `Top 5´ de la perfumería mundial, Flower By Kenzo celebró en 2015 su decimoquinto aniversario lanzando una nueva fragancia: Flower By Kenzo L´Élixir.

Esta flamante edición cobró forma en la imaginación del Maestro Perfumista Alberto Morillas, después de visitar un campo de Rosas Búlgaras.L`Elixir tiene el sello de la marca, parte del ADN de Flower, como los almizcles blancos, pero suma otras notas gourmet, convirtiéndose en una fragancia muy actual, moderna, elegante, colorida, que se despega del clásico Flower, que es un floral atalcado”, explica López.

15 años embelleciendo el mundo

En Argentina, los Jardines del Museo Nacional de Arte Decorativo de Buenos Aires fueron el escenario elegido para celebrar los 15 años de Flower By Kenzo. El evento contó con la presencia de destacados periodistas y celebridades de la moda y la belleza como Florencia Torrente, Sabrina Garciarena, Isabel Englebert, Julieta Pink, Javier Iturrioz y Fabián Medina Flores, quienes se acercaron a brindar y disfrutar de la imponente exhibición de amapolas gigantes que se instaló para el festejo, y conocer el flamante FBK L`Elixir.

Dicha exhibición seguirá vigente hasta el mes de marzo 2016 inclusive, en la Plaza Rubén Darío, donde se pueden ver también las dos amapolas realizadas por el artista plástico Plablo Stein.

Descubrite

Si bien en el mundo de las fragancias no hay patrones establecidos, Mirta López (Training Manager de Kenzo Argentina) nos ayuda a descubrir cuál es el Flower ideal para cada una.

Flower By Kenzo: Para una mujer clásica, elegante, refinada, que conoce el lujo y goza de los grandes clásicos.

Flower In The Air: Es una línea más naif, para sentirse más relajadas, con una fragancia más desestructurada y joven, repleta de flores frescas.

Flower By Kenzo L`Elixir: Es hoy y para todas. Es tendencia que conquista al instante de probarlo, con su intensidad de colores transmitida por la frambuesa de salida.

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Ventana al mar

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Cerca de las costas de la isla africana de Pemba existe una extraña configuración natural, profunda y circular, rodeada de arrecifes de coral. Justo allí, con vista hacia una sorprendente diversidad de vida submarina, se sumerge la habitación más exclusiva de The Manta Resort.

La cubierta de desembarco, a nivel del mar, tiene una sala de estar y baño. Desde allí, una escalera conduce a la azotea que cuenta con una zona de relajación.

En la planta baja, rodeada de paneles de cristal, por la noche los focos debajo de cada ventana atraen diversidad de peces e iluminan a toda especie que habita el arrecife.

Por Lic. Mariana Boggione

Publicado en Revista Doquier Nº92, febrero 2015.

Imagínese encapsulado dentro de una burbuja azul turquesa, viendo brillantes cardúmenes nadando por los arrecifes. Esta experiencia le espera a quien se hospede en The Underwater Room, la habitación submarina de The Manta Resort, en la isla africana de Pemba. Ubicada en el océano Índico, esta estructura flotante de ingeniería sueca ofrece tres niveles, dos sobre el mar y uno debajo del agua.

Sobre la costa, desde las terrazas del resort, se divisa The Blue Hole (el hoyo azul), una anomalía en el arrecife de coral ubicado aproximadamente a 250 metros de la orilla. En este agujero circular se ubica la habitación submarina, rodeada de abundante vida.

La experiencia comienza en un barco hecho artesanalmente, que lleva al huésped a su habitación, donde lo espera un almuerzo tropical y fresco, para continuar la jornada disfrutando del mar navegando en kayak o haciendo snorkel.

La cubierta de desembarco, a nivel del mar, tiene una sala de estar y baño. Desde allí, una escalera conduce a la azotea que cuenta con una zona de relajación para descansar adorando al sol en el día, y por la noche compartir bajo las estrellas, acompañado del suave murmullo del mar.

Pero lo más llamativo es la planta baja, rodeada de paneles de cristal que ofrecen una visión de casi 360 grados, generando un sentimiento mágico a quien reposa mirando la naturaleza marina. Por la noche, los focos debajo de cada ventana alrededor de la sala atraen diversidad de peces, e iluminan a toda especie que habita el arrecife de coral que rodea la habitación.

Los huéspedes han contado historias maravillosas de este cuarto especial. Allí es posible ver calamares y peces aguja nadando, un pulpo sobre alguna ventana, y hasta escuchar los delfines al salir a hacer snorkel de noche.

Diseño nórdico

Todo empezó con una sola habitación bajo el agua en un lago sueco cerca de Estocolmo, denominada “The Utter Inn”, ideada por Mikael Genberg, un artista y conferencista que ha optado por centrarse en “hacer arte para el público”. Esta habitación se encuentra a tres metros debajo de la superficie del lago Mälaren, en Västerås, y contiene sólo dos camas individuales y una mesa. Abrió sus puertas en junio de 2000 y ha sido un gran éxito, habiendo atraído a visitantes de los cuatro puntos cardinales.

En base a esa experiencia se formó en 2006 Genberg Underwater Hotels Company, con el objetivo expreso de desarrollar habitaciones submarinas en todo el mundo. Vivir bajo el agua es la esencia del concepto que las inspira, y una aventura en el verdadero sentido de la palabra.

Una isla mística

Perteneciente a Tanzania, pero separada del continente y al norte de Zanzíbar, Pemba se ha conservado como una isla virgen de gran belleza y fertilidad. El paisaje de bosques, pantanos, playas ocultas y lagunas se entremezcla con las ruinas de mezquitas y tumbas, en su mayoría cubiertas por bosques. Estos son sitios que datan de la dominación árabe, ya que en el siglo XVII Pemba fue capturada por el sultán de Muscat (Omán), quien estableció su corte en Zanzíbar y gobernó Muscat desde allí. Antiguas historias y leyendas se entretejen entre la belleza natural de esta región, sumando un encanto especial a la sorprendente experiencia de alojarse bajo la superficie del mar.

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Estilos sobre la alfombra

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Tejidos hechos a mano o industriales, pelos cortos y largos, sedas, lanas y algodón, textiles eco-compatibles y minimalistas, tinturas naturales, dibujos o motivos geométricos… las últimas tendencias para ambientar ponen a los pies un cálido mundo de tramas, relieves y suaves texturas.

Las alfombras de Tribalia son tejidas enteramente a mano, utilizando lana y algodón hilados artesanalmente y tintes naturales.

Los colores, la calidez y los textiles del noroeste argentino tienen su lugar en NOArt, un espacio pleno de productos autóctonos.

Por Lic. Mariana Boggione

Publicado en Revista Doquier Nº92, febrero 2015.

Las alfombras son un elemento básico para dar calidez, delimitar, realzar y enmarcar la decoración de interiores. Tanto si son de felpa como de tejidos planos, redondas, cuadradas o de lana de oveja, proporcionan confort y crean ambientes. Las más grandes definen el área donde sentarnos en la sala, y las alargadas suavizan el pasar por pasillos y puertas, o dan la bienvenida a la casa. Son, sin dudas, una buena forma de mostrar el estilo personal.

Tejidos tradicionales y diseño actual

En el Salone Internazionale del Mobile 2014 en Milán, las alfombras con detalles fueron dominantes. Allí, las firmas italianas se impusieron, con modelos innovadores y originales que combinaban antiguas tradiciones artesanales y diseños contemporáneos. Hoy las tendencias de esa “Feria del Mueble” pueden encontrase también en Rosario.

Un punto de visita en la búsqueda de la alfombra ideal es Justa, que comercializa alfombras realizadas en materiales naturales, tanto en pelos largos en lanas y sedas, como en pelos cortos en sedas vegetales. Cuenta con tejidos hechos a mano y otros industriales, de origen nacional como importado. Su titular, Claudia Cardoso, brinda asesoramiento, realiza pruebas de sus productos in situ y busca piezas únicas para cada lugar.

Quienes prefieran exclusividad francesa para su casa pueden optar por los diseños de Roche Bobois, pensados para acompañar los soñados muebles de la firma. Las hay pintadas a mano, como los modelos Brushing y Septiembre; tejidas artesanalmente; de interior o exterior; con lanas neozelandesas y sedas vegetales. Entre los modelos de Roche Bobois Francia se destacan los diseños de Cédric Ragot, Victor Boëda, Fabrice Berrux y Elizabeth Leriche.

Por su parte, quien busque sofisticar interiores contemporáneos, con textiles eco-compatibles y minimalistas, podrá optar por una pieza de Tribalia, fábrica y laboratorio textil donde su gestor, Mariano Maestri, crea sus propias herramientas de trabajo y recupera oficios ancestrales de manos de descendientes de indígenas, a quienes involucra activamente en la producción. Las alfombras y asientos de Tribalia son tejidos enteramente a mano, utilizando lana y algodón natural hilados artesanalmente, y teñidos con tintes naturales.

La exclusividad forma parte también de sus diseños: el cliente elige su alfombra o asiento según una matriz de veinte colores disponibles, diez tramas y tres medidas standard, aunque también se hacen medidas especiales a pedido.

Los colores, la calidez y los textiles del noroeste argentino tienen su lugar en NOArt, un espacio pleno de productos autóctonos. Sus alfombras son elaboradas con técnicas tradicionales en telares, con lana de oveja hilada manualmente y teñida en forma natural.

En NOArt se pueden identificar tres tejidos bien diferentes entre sí. El Chusi se caracteriza por ser plano y rústico, su diseño sólo puede encontrarse en versiones lisas o rayadas. Si lo que se busca es la combinación de diferentes texturas y relieves en una misma pieza textil, el Pelo Cortado es sin duda el tejido ideal; hay motivos naturalistas, como las flores, herencia de la colonización española, y de tipo geométrico con influencia aborigen del área andina. El Baetón, a diferencia de los dos anteriores, tiene un tejido mucho más comprimido y moderno a la vista. Son infinitos los diseños y composiciones que pueden hacerse en torno a este tejido por la precisión que se logra en las tramas.

Esta casa cuenta también con alfombras lúdicas, pensadas para estimular el área cognitiva de los más pequeños mediante el juego con diferentes tonalidades y texturas.

El desafío de cuidarlas

Un gran desafío al optar por alfombras es mantenerlas, y la primera medida es la prevención.

La zona de la puerta de entrada es la más maltratada por las pisadas, por eso habrá que situar un felpudo al ingreso. Un ambiente alfombrado puede mantenerse limpio con una aspiradora un par de veces a la semana y una limpieza profesional cada 18 meses, tal como recomiendan los especialistas.

Un caso muy diferente es la piel de oveja o vaca. La lana de la piel de oveja es un repelente natural de la suciedad, se lava muy fácilmente y es muy resistente. La piel de vaca también es muy duradera y permanecerá igual de bonita muchos años.

Finalmente, una recomendación útil para evitar resbalarse al pisarlas es asegurar la alfombra al suelo mediante el agregado de una base antideslizante.

Datos útiles

– Justa: www.justastore.com.ar

– NOArt: www.noartweb.com.ar

– Roche Bobois: www.roche-bobois.com

– Tribalia: www.tribalia.net

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Una ventana al corazón sudafricano

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Con un estilo clásico y una historia que se remonta a 1946, The Blue Train se ha convertido en un símbolo de los viajes en trenes de lujo. Su ruta habitual une Cape Town y Pretoria, ofreciendo una experiencia única de confort y exclusividad entre los más bellos paisajes del sur de África.

Elegantemente decoradas con mármol italiano y accesorios en oro y plata, las suites a bordo ofrecen servicio personalizado de mayordomo.

Ideal para un cognac y un cigarro después de la cena, The Club Car reúne un bar, mesa de café bien surtida, libros, revistas y juegos de mesa.

Por Mariana Boggione

Publicado en Revista Doquier Nº 91, diciembre 2014.

Desde su creación en 1946, The Blue Train ha sido reconocido como un símbolo de la travesía ferroviaria de lujo y como un ícono de la experiencia turística, la hospitalidad y el ocio en el África meridional. Su recorrido une Ciudad del Cabo y Pretoria, en ambos sentidos, y cuenta también con ocasionales rutas alternativas a Durban, Pilanesberg y Kruger.

Comparables a las habitaciones de los mejores hoteles del mundo, las suites a bordo ofrecen cinco estrellas de clase y confort. Elegantemente decoradas con mármol italiano y accesorios en oro y plata, ofrecen servicio personalizado de mayordomo en viajes de 27 horas con todo incluido.

The Blue Train se destaca por su gastronomía, con menús acompañados por una amplia selección de vinos sudafricanos y una carta premiada por el Annual Diner’s Club Award of Approval. La experiencia de viaje incluye los paisajes en los que el tren serpentea, atravesando gran parte del sur de África, y se complementa con una excursión a la mina Kimberley Hole Diamond y a la pintoresca localidad de Matjiesfontein.

El tren se ha ganado su lugar en la historia de los viajes de lujo. Pero lejos de estancarse en la tradición de un clásico, en los últimos años ha sido renovado incorporando lo más avanzado en tecnología sobre rieles. Hoy posee un sofisticado sistema de suspensión que ofrece uno de los paseos más suaves que se pueden encontrar en este tipo de medios de transporte alrededor del mundo, asegurando el descanso y un sueño apacible.

Confort sobre rieles

La empresa dispone de dos conjuntos de trenes. Ambos son muy similares en la decoración y difieren en algunos detalles, especialmente en su capacidad, ya que uno puede alojar 74 pasajeros mientras que el segundo tiene espacio para 58 huéspedes.

El de menor capacidad es el más exclusivo; posee un vagón ambientando como sala de conferencias en un extremo, con ventanas en tres de las paredes para disfrutar al máximo del paisaje. Caminando a lo largo de sus pasillos se llega a The Club Car, un salón donde disfrutar un cognac y un cigarro después de la cena. Este espacio reúne un bar, mesa de café bien surtida, libros, revistas y juegos de mesa. Para relajarse y disfrutar de una merienda y refrigerios está The Lounge Car, mientras que no falta un vagón especial, The Dining Car, para almorzar o cenar cómodamente.

La etiqueta a bordo es de suma elegancia, ya que cuenta con un código de vestimenta smart-casual durante el día, mientras que de noche los caballeros deben usar saco y corbata, y las damas, un vestido elegante.

No son pocas las personalidades y celebrities que han elegido The Blue Train para unas relajadas vacaciones. Por sus restaurantes y suites han pasado Elton John, Kylie Minogue, Naomi Campbell y otros famosos que eligieron esta original experiencia para recorrer con comodidad y estilo los confines del sur de África.

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Adot en el país de las maravillas

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El diseñador argentino Laurencio Adot sorprende con una colección de verano inspirada en el clásico cuento de Lewis Carroll. La inocencia de Alicia asoma entre modelos sensuales, con predilección hacia colores pasteles y géneros como gasa, tafeta y tul bordados artesanalmente.

 

 

Propone vestidos cortos de cocktail inspirados en el ballet y una visión desestructurada del corset de la época victoriana.

 

 

Para verse super sexy se destaca la línea sirena, con cintos bordados en strass y perlas marcando la cintura.

 

 

Por Mariana Boggione.

Publicado en Revista Doquier Nº 91, diciembre 2014.

 

Entre colores pasteles plenos de romanticismo y suavidad, el país de las maravillas emerge volviendo un sueño realidad en las creaciones de uno de los íconos de la moda argentina: Laurencio Adot.

Inspirada en el cuento del británico Lewis Carroll, la colección verano 2014/15 Demi Couture Wonderland de Adot se asoma a un maravilloso mundo de fantasía. Los tonos, estampas, géneros y texturas de cada diseño reflejan la inocencia de aquella Alicia que pasa de niña a mujer, anhelando cumplir sus deseos, buscando el camino ideal para el crecimiento frente a una realidad adversa…

Wonderland tiene un predominio de flores que respiran y transmiten, como la obra artística abstracta del pintor Cy Twombly, y del fotógrafo inglés contemporáneo Nick Knight, que retrata la naturaleza en tamaños extra large, como si fuera casi humana. A su vez, en las alforzas, plisados y bordados a mano, las líneas y geometrías son llevadas a la alta moda aludiendo al período Art Deco.

 

Tendencias de colección

En un desfile realizado en Faena Art Center, acompañado con sonidos de pájaros y de la naturaleza, cada pasada deslumbró a las mujeres amantes de la moda.

En la colección se destacan los vestidos en una amplia gama de colores pasteles, donde predominan el rosa, celeste, verde y amarillo, que conviven con pinceladas de tonos vibrantes como el fucsia, y estampas exclusivas diseñadas por Adot.

Los géneros preferidos son gasa, tafeta y tul bordados artesanalmente con lentejuelas, strass y cristal. Modelos sensuales que resaltan la figura de la mujer: pueden ser de corte sirena, plisados, drapeados o con superposiciones. Las cinturas, espaldas y escotes se destacan con detalles de cintas, strass o apliques de perlas y piedras.

 

Diseños para brillar

Una vez más, Laurencio Adot ofrece modelos elegantes y soñados para brillar en cada ocasión. Propone vestidos cortos de cocktail inspirados en el ballet, y una visión moderna y desestructurada del corset de la época victoriana del cuento de Carroll. Para las que prefieren ir de largo, los hay con volumen y lánguidos. Para verse super sexy se destaca la línea sirena, con cintos bordados en strass y perlas marcando la cintura. Ofrece también modelos asimétricos con detalles cutout (recortes), drapeados milimétricos y mangas con movimiento entre detalles en guipure metalizado.

El diseñador opta además por la superposición de guipure francés de seda sobre encaje chantilly solstiss, bordados con nácar y perlas de mar. Así como los pasteles, el must son los colores visón, beige, piedra, ámbar, caramelo y perla.

Respecto a los escotes, predominan los strapless, americano y abierto en V. Fiel a su estilo, Adot incluye transparencias logradas en tul nude con incrustaciones de guipure y strass. Tampoco faltan los encajes y tules bordados con aire vintage en vestidos neo románticos.

 

Universo de combinaciones

Los looks clásicos se fusionan con outfits masculinos-femeninos, combinando el militarismo urbano y la sensualidad flapper de los años 20.

Los monos también son protagonistas, estampados con pailletes, breteles anchos y detalles de averíos en strass, así como en los crop tops que acompañan polleras midi semi armadas de tafeta o pollerones de tul de seda con ruedo irregular.

La colección además incluye chaquetas capitán de crepe de seda, pantalones marinero y bermudas culotte. Todo un universo de combinaciones para una temporada soñada.

 

 

La boda demi couture

 

Laurencio Adot propone una boda hiper romántica, con vestidos que se tiñen de los colores de los macarrones: verde menta, amarillo y celeste cielo.

Una danza de hebillas, cintos, breteles y detalles únicos en strass hindú enamoran, como los drapeados a mano juegan con transparencias sensuales, sumados al patchwork couture en materiales ricos y únicos de alto valor artesanal.

Finalmente, para una novia demi couture, un vestido semi armado en seda mikado, con corsage transparente, una micro red de strass bordada a mano e incrustaciones de flores del mismo material. Un velo de tul ilusión con guarda de hilo de seda plata completa este look a puro romanticismo joven y sensual.

 

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Otazu, el brillo de las celebrities

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La marca del diseñador de joyas argentino Rodrigo Otazu está presente en más de 30 países, incluyendo las principales capitales del mundo. Lucieron sus diseños desde Britney Spears, Madonna y Lady Gaga hasta Naomi Campbell y Sarah Jessica Parker. La seducción de un lujo que no tiene fronteras.

 La poderosa atracción de sus diseños ha creado una demanda de accesorios a medida para algunas de las estrellas de la música más importantes del mundo.

Ha tenido el privilegio de alternar con maestros de la talla de Alexander McQueen, Christian Lacroix, Jean-Paul Gaultier, John Galliano y Karl Lagerfeld.

Por Mariana Boggione

Publicado en Revista Doquier, edición nº 90, octubre 2014 (nota de tapa)

Ecléctico y elegante, el estilo Otazu irradia luz y felicidad. Rodrigo Otazu, creador de las joyas de lujo elegidas por reconocidas celebrities del mundo, crea piezas con un tinte muy personal y mucho glamour.

Este diseñador argentino, residente en Ámsterdam, comenzó su carrera “con un simple sueño y con una mochila llena de coraje”, según sus propias palabras. Hoy está presente en más de 30 países, incluyendo ciudades como Moscú, Nueva York, Londres, Milán, Dubai, Sydney y Tokio.

Sus piezas están confeccionadas con cristales Swarovski y cada estación reflejan una nueva gama de colores y de formas innovadoras. La firma lanza dos colecciones cada temporada, “Ready to wear” y “Alta costura”, con diseños únicos en joyería de moda, creaciones en plata y accesorios que son un must para las más trendy.

Para su equipo no hay límites en los elementos que utiliza. “Creo que lo más lindo de ser creativo es poder usar la imaginación sin horizontes”, afirma Rodrigo.

Son variados los caminos en el proceso creativo de esta marca internacional. “Recorro museos, iglesias, librerías, barajo todo y saco de cada cosa algo que me parece bello, que está allí pero otros no ven”, confiesa Otazu, y agrega: “El secreto de nosotros, los diseñadores, es percibir cosas cotidianas a las que la gente no les presta atención”.

Sus colecciones reflejan pasión por la moda y realzan el estilo natural y la belleza de mujeres de todo el mundo. La necesidad de expresarse, el impulso de irradiar, de ser seductora y elegante es lo que inspira las piezas de Otazu.

La atracción de un estilo

La poderosa atracción de sus diseños ha creado una demanda de accesorios a medida para algunas de las estrellas de la música más importantes del mundo. Para Kylie Minogue, por ejemplo, Otazu creó una pieza especial de diamante en asociación con la House of Gassan. También lucieron sus diseños Naomi Campbell, Sarah Jessica Parker, Rihanna, Kelis, Lauren Hill, Aretha Franklin, Beyoncé, Britney Spears, Mariah Carey, Madonna y Lady Gaga. En las pasarelas, sus colecciones han sido usadas por modelos internacionales como Lily Cole y Erin O’Conner, mientras que varias celebrities han llevado sus joyas en la entrega de los Grammy Awards.

En sus 25 años de carrera ha tenido la oportunidad y el privilegio de alternar con maestros de la talla de Alexander McQueen, Christian Lacroix, Jean-Paul Gaultier, John Galliano y uno de sus maestros número uno, Karl Lagerfeld.

Una de las participaciones más importantes de la marca en el mundo del espectáculo fue su aparición en Sex and the City. “Fue algo espectacular, disfruté muchísimo estando en los camarines, viendo el backstage, compartiendo sus bromas mientras el director ajustaba detalles o medía las luces y esas mujeres divinas se probaban y elegían qué ponerse”, recuerda emocionado Rodrigo Otazu. En teatro realizó colecciones para muchas obras, entre ellas la exitosa “Los Tres Mosqueteros”.

Paralelamente, en la esfera de la moda ha participado en los grandes shows de Swarovsky. “He sido elegido por ellos como uno de los cinco talentosos diseñadores más jóvenes del mundo”, recuerda.

Hoy sus diseños se han convertido en verdaderos objetos de deseo a nivel global. Creatividad, calidad y cuidado del detalle han logrado que mujeres elegantes y celebridades internacionales estén atentas al estilo que imponen sus nuevas colecciones.

1º Salón de Joyas & Arte

El 7 y 8 de noviembre de este año Rosario será escenario del 1º Salón de Joyas & Arte de la ciudad, en el Museo Firma y Odilo Estevez (Santa Fe 748). Rodrigo Otazu ya confirmó que estará presente con la marca internacional que lleva su apellido.

“Hay una palabra que me persigue desde los 18 años, cuando comencé a hacer joyas, esa palabra es “¡wow!”. Eso es lo que voy a llevar para mostrar”, advierte entusiasmado este diseñador reconocido en todo el mundo.

Junto a él estarán referentes internacionales del ámbito del diseño y de la producción de joyas y orfebrería.

La posibilidad de recorrer los diseños de la muestra se suma a una acción solidaria, ya que los ingresos por entradas y por una subasta serán a beneficio de Refugios para Mujeres Víctimas de Violencia.

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De Rosario a Broadway

The Rockettes Give Sneak Peek Performance from their New Production “HEART AND LIGHTS”

Tras su paso por París y Los Ángeles, el diseñador rosarino Alejo Vietti se radicó en New York para convertirse en uno de los mejores vestuaristas de Broadway. Aquí cuenta su historia y los secretos de una profesión que lo ha llevado a las puestas en escena más ambiciosas del mundo.

 

Sus diseños han vestido a actores de la talla de Meryl Streep, Natalie Portman, Christopher Walken o Denzel Washington, entre otros

 

“Es generalmente mucho más fácil crear un traje de gala que diseñar un personaje que ha pasado semanas en la calle sin cambiarse”.

 

“Hay que saber leer el lenguaje corporal de la persona a la cual tenés que vestir y considerar su actividad en el escenario”.

 

Por Lic. Mariana Boggione

Publicado en Revista Doquier, edición nº 89, junio 2014

 

Amante del deslumbramiento visual de las grandes producciones cinematográficas y los cuadros generados en el escenario en obras de teatro y ballet, el diseñador rosarino Alejo Vietti descubrió su vocación desde muy chico, “mayormente como escape mental a un mundo fantástico”, según confiesa en diálogo exclusivo con Doquier. Su trayectoria lo llevó a ciudades como París y Los Ángeles antes de consolidar su éxito en New York, donde reside actualmente. Hoy es uno de los mejores vestuaristas de Broadway. Con una carrera enfocada en el teatro, e incursiones en la ópera y el ballet, también ha diseñado escenografía y vestuario para Hollywood, para cortometrajes en París y para publicidades en distintos países. Sus diseños han vestido a actores de la talla de Meryl Streep, Natalie Portman, Christopher Walken o Denzel Washington, entre otros (ver recuadro).

 

Genealogía de un artista

Vietti heredó de su padre la pasión por el cine, y de su madre, la atracción por el escenario. “Tenía 5 ó 6 años cuando fuimos por primera vez a ver un ballet ruso en Brasil, donde vivimos por tres años”, recuerda. Aprendió a amar el arte también a través de la pintura y la música: “Ir al museo y tener en casa música de todos los géneros fue la forma natural en que crecimos”.

En Rosario comenzó a estudiar Derecho pero luego se volcó por lo que realmente le gustaba entrando a la Escuela Superior de Diseño Gráfico. Los devenires de la vida son misteriosos y Vietti es testigo de ello. Su primer trabajo fue en Rosario. Realizó la escenografía y vestuario para un musical basado en una historia ficticia sobre Rita La Salvaje. Poco tiempo después viajó a New York con su familia a pasar Navidad, y no volvería a nuestro país.

En Estados Unidos hizo varios seminarios sobre diseño de vestuario y escenografía, con profesionales de la talla de Eiko Ishioka, Tony Walton y James Acheson, aunque, según afirma, “aprendí mucho más asistiendo a diseñadores ya establecidos”. Su espíritu inquieto lo llevó luego a Los Ángeles y a París. Cargado de nuevas experiencias volvió a NY.

Entonces, cuenta: “Me senté con una guía telefónica en la mano -Google no existía aún- y busqué los datos de todos los grandes diseñadores de Broadway que admiraba. Los llamé para una entrevista, y así comencé. Tuve la suerte de que mi primer trabajo fue con Ann Roth, una pionera en la industria, que ganó el Oscar por su vestuario en ‘El Paciente Inglés’ además de haber diseñado más de cien películas en Hollywood y muchos shows en Broadway. Luego ella me recomendó para otro trabajo. De recomendación en recomendación hice una rápida escala de tercer asistente, a segundo, a primer asistente, a diseñador asociado. Al mismo tiempo empecé una carrera paralela como diseñador de shows pequeños y estableciendo relaciones con directores, compañías teatrales y productores”.

 

Un talento especial

Se confiesa admirador del italiano Piero Tosi, diseñador de la mayoría de los films de Luchino Visconti (“Muerte en Venecia”, “El Gatopardo”) y de varios films de Federico Fellini, Franco Zeffirelli y Vittorio De Sica. “Admiro su balance entre diseño y personaje, y la manera de alimentar el uno con el otro. Cómo informar visualmente sobre alguien aún antes de que esa persona abra la boca, logrando un resultado visual magnífico y al mismo tiempo casual o sin esfuerzo”. En ese sentido, Vietti indica también que la gente muchas veces confunde buen vestuario con vestuario fastuoso: “Es generalmente mucho más fácil crear un traje de gala que diseñar un personaje que ha pasado semanas en la calle sin cambiarse. La atención y el cuidado para que esa ropa sucia y gastada resulte real lleva mucho tiempo y atención al detalle”.

Acerca de su modo de trabajar, explica que “el proceso de diseño siempre empieza en el texto”; ahí encuentra todas las respuestas. Luego se reúne con el director y comienza el delineamiento del mundo visual y estético, seguido de un proceso de investigación que varía mucho de acuerdo al proyecto. A su vez, cuando es necesario recrear una época específica en un lugar determinado, la investigación es estricta y “lo importante es no copiar el período, sino entrenar el ojo y la mente para pensar como un diseñador del tiempo histórico en el cual se basa el texto”.

 

De trajes y secretos

Un traje reúne características muy específicas. Según este reconocido diseñador rosarino, el personaje tiene prioridad, pero a la vez es importante adaptar el diseño a la anatomía y personalidad de cada actor. “Hay que saber leer el lenguaje corporal de la persona a la cual tenés que vestir y considerar su actividad en el escenario, además no es lo mismo si se trata de una ópera o un ballet, de una obra teatral o un musical”.

Los cambios rápidos de vestuario, que requieren segundos y parecen hasta imposibles, son moneda corriente en el teatro actual. “La tecnología ha ayudado enormemente a áreas como luces, sonido y escenografía, sin embargo, por más que la técnica avance, el tiempo requerido para que una persona se quite un par de zapatos y se ponga otro es el mismo que hace 50 años”, explica Vietti, agregando que para estos casos ha utilizado recursos curiosos que van desde mecanismos con imanes a trajes sostenidos con “línea de pescar”, un sistema que permite tirar de una punta para quitarse un traje completo en un segundo.

Otro tema clave son las telas y materiales para cada traje. Una vez que los diseños son aprobados por el director y el productor, los asistentes dedican días y hasta semanas yendo a todas las casas de telas recolectando muestras. “Por cada tela usada tenemos entre 15 y 20 muestras, ¡y a veces muchas más! Lo mismo pasa con los galones, botones y todo tipo de decoración o accesorio. Si localmente no podemos conseguir lo que queremos, recurrimos a compañías textiles del resto de Estados Unidos y Europa. Si encontramos algo pero no en la cantidad deseada, hacemos re-imprimir la tela, lo mismo si encontramos la estampa ideal pero no en la tela adecuada. En general podemos corregir, cambiar el color o diseñar nuestro propia estampa”, detalla Alejo.

Sobre los trajes también observa que la experiencia ayuda a saber cómo la tela y el color van a reaccionar bajo la luz del escenario. No es un trabajo para improvisados. “En la mayoría de los casos -advierte-, lo que uno ve de cerca en el camarín es percibido de una forma completamente distinta cuando está en escena”.

 

Trayectoria y proyectos sorprendentes

Alejo Vietti ha recorrido gran parte de Estados Unidos diseñando para renombradas compañías teatrales, incluyendo más de veinte shows en el Alley Theatre de Houston, trabajos para The Old Globe en San Diego, Hartford Stage y Goodspeed Opera en Connecticut, el teatro Guthrie en Minneapolis, y muchos más. En cuanto a ópera, diseñó para New York City Opera y Lyric Opera of Chicago, entre otros importantes escenarios de Norteamérica, volcando su creatividad también en proyectos que abarcan desde Ucrania hasta Japón y Alemania, además de puestas en escena para las exigentes Norwegian Cruise Line y Disney Cruise Line.

“Diseñé un espectáculo llamado Disney’s Believe -recuerda- para inaugurar un nuevo crucero de Disney Cruise Line. Si bien la experiencia fue muy buena, ¡me tomó muchas millas! Desde reuniones en los estudios Buena Vista de Los Ángeles y en Disney Orlando, a la confección de los trajes en Orlando, Los Ángeles, New York y Boston. Los ensayos y las pruebas de vestuario fueron en Toronto, y los ensayos generales a bordo del barco en Alemania durante varias semanas. Una vez que el crucero cruzó el Atlántico desde Europa, retomamos el trabajo en el Caribe para culminar el proyecto”.

Con sus vestuarios dio vida a personajes de reconocidas obras a nivel mundial. Enumerar sólo las más importantes llevaría a un extenso listado, por lo que a modo de ejemplo vale mencionar la puesta de “La Gaviota”, de Chekhov, dirigida por Mike Nichols y con un elenco que incluyó a Meryl Streep, Kevin Kline, Natalie Portman, Philip Seymour Hoffman y Christopher Walken. “Este proyecto fue extraordinario, no sólo por el calibre del elenco y el director, sino porque construimos todo el vestuario en Londres, en unos de los mejores talleres de Europa. Tuve que viajar a Inglaterra varias veces y trabajar directamente con algunos de los mejores profesionales del Reino Unido”, recuerda Vietti.

También fue Diseñador Asociado en obras de Shakespeare como “Enrique V”, con Kein Kline y Ethan Hawke, y “Julio César”, con Denzel Washington. Recientemente diseñó el vestuario de uno de los grandes éxitos de la última temporada de Broadway: “Beautiful, The Carole King Musical”. Otros proyectos como diseñador incluyen el estreno mundial de “Séance on a Wet Afternoon” de Stephen Schwartz (autor de “Pocahontas” y “Encantada”, entre otras). Obras clásicas como “Othello” y “Hamlet”, y musicales como “Cyrano de Bergerac” y “Pygmalion” también han sido parte de su prolífica agenda.

En este momento está trabajando en “El Jorobado de Notre Dame” para Disney. Al mismo tiempo prepara un musical llamado “Holiday Inn”, basado en la película homónima y producido por Universal, y está próximo a estrenar “The Danish Widow”, escrita y dirigida por John Patrick Shanley (autor de “La Duda”). “Es mi tercera colaboración con Shanley y tenemos un muy buen elenco que incluye a Kyra Sedwick”, expresa Vietti, comentando además que a principios del año próximo llevará “Beautiful, The Carole King Musical” a Londres y Toronto.

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